Colección Salvat
Fruto de la ilusión y el compromiso con el arte contemporáneo de la familia Peris, propietaria de los Laboratorios Salvat, en 1994 adquieren una primera obra que constituiría la Colección Salvat de arte contemporáneo.
La Colección incorpora anualmente una obra de gran formato de un relevante artista español vivo que haya sido ejecutada ese mismo año. Con el devenir de los días, esta colección ha devenido una clara representación de la más interesante creación artística española de los últimos decenios.
Con la clara voluntad de acercar el arte contemporáneo a sus colaboradores y amigos, la obra incorporada ese año es reproducida como tarjeta de felicitación de Navidad y Año Nuevo que Laboratorios Salvat envía a países de todo mundo.
La Colección
Albert Ràfols – Casamada
Envol // 1994
Técnica mixta sobre tela
114 x 146 cm
Albert Ràfols-Casamada
(Barcelona, 1923-2009).
Pintor, poeta y profesor de arte involucrado en los movimientos de vanguardia, es considerado uno de los artistas catalanes más significativos y multifacéticos de su tiempo.
Se inició en el dibujo y la pintura de la mano de su padre, Albert Ràfols Cullerés. Tras unos años de estudios de arquitectura, optó por la pintura y expuso por primera vez en Barcelona en 1946 con el grupo Els Vuit.
En 1950 obtuvo una beca del gobierno francés y se trasladó a París, donde residió hasta 1954 junto a su esposa, la también pintora Maria Girona. Su obra pictórica comenzó en el terreno de la figuración, pero pronto evolucionó hacia una abstracción en la que tenían un peso importante el color y el uso de estructuras geométricas.
Con una dilatada trayectoria pictórica y literaria, también desarrolló una intensa actividad pedagógica en el ámbito del diseño y el arte. En 1967 fundó la Escuela EINA junto a un grupo de intelectuales, profesores y artistas siguiendo el modelo pedagógico de la Bauhaus; fue su director durante diecisiete años. A lo largo de su extensa carrera, fue reconocido con el Premio Nacional de Artes Plásticas (1980), la Creu de Sant Jordi (1983), la Legión de Honor del Gobierno de Francia (1991) y el Premio Nacional de Artes Visuales de Cataluña (2003).
Josep Guinovart
Merlin // 1996
Técnica mixta sobre tabla
114 x 121 cm
Josep Guinovart i Bertrán
(Barcelona, 1927-2007).
Fue un protagonista clave de la vanguardia plástica catalana de la segunda mitad del siglo XX.
Tras iniciarse en el taller familiar como pintor de paredes, se formó en la Escola d’Arts i Oficis de Barcelona, y en 1953 se marchó a París con una beca del Instituto Francés.
De regreso a Cataluña, en 1954 fundó, junto con otros artistas como Antoni Tàpies y Joan-Josep Tharrats, el grupo Taüll, de corto recorrido, que aglutinaba a la vanguardia pictórica de aquellos años. Con una producción polifacética –que incluye grabado, dibujo, cartelismo, pintura, escultura, escenografías teatrales y tapiz, entre otros- y tras una primera etapa figurativa, a partir de 1957 practicó la abstracción pictórica con obras de gran formato, una clara intención matérica y el uso de elementos tridimensionales ajenos al mundo del arte convencional.
El informalismo de Guinovart incorporó la presencia del paisaje mediterráneo, sugerido mediante tonos azules y ocres cálidos, y otros elementos que evocan el campo y la tierra; pero también realizó obras con una acusada implicación social y política.
En 1982 obtuvo el Premio Nacional de Artes Plásticas y en 1990 fue galardonado por el Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya. Desde 1994, su obra se expone de modo permanente en la Fundació Espai Guinovart de Agramunt (Lleida), población a la que el artista siempre estuvo vinculado.
Julio Vaquero
Bajo luces de neón // 1997
Óleo y tempera sobre tabla
260 x 200 cm
Julio Vaquero
(Barcelona, 1958).
Es licenciado en Bellas Artes y Premio Joan Güell por la Facultad de Bellas Artes de Sant Jordi de Barcelona.
Su primera exposición fue en 1986 en la Galería Carlos de Sicart de Cadaqués; el año siguiente expuso por primera vez en Barcelona. Ha expuesto de forma individual en galerías de arte de Boloña, Nueva York, Madrid, Barcelona o Trieste.
Asimismo, ha participado en numerosas exposiciones colectivas tanto a nivel local como internacional, entre las que destacan: Visiones de la realidad, Fundación CajaCanarias, Tenerife (2014); Realismo español contemporáneo, anorama Museum, Bad Frankenhausen, Alemania (2007); Between Heaven and Earth, Museo de Arte Moderno de Ostende, Bélgica (2001); Realisme a Catalunya, Centre d’Art Santa Mònica, Barcelona (1999), y Realisme d’Avantguarda, Galeria Llucià Homs (1997).
Su obra se encuadra fundamentalmente en el realismo y en la pintura figurativa a partir de la observación del natural. A inicios del 2000, Vaquero comenzó a experimentar con la manipulación y alteración de objetos en una mezcla ambigua de realismo y simbolismo.
Vive y trabaja en Barcelona, donde también ejerce como asesor artístico de la Fundación Sorigué de Lleida.
Lluís Lleó
Cuatrocento due-bis // 1998
Óleo y cera sobre tela
183 x 213 cm
Lluís lleó
(Barcelona, 1961).
Pintor y escultor, reside en Nueva York desde 1989, aunque sigue realizando estancias en su estudio de Rupià, Girona.
Óleo, acuarela y cera son características de su pintura desde inicios de la década de los noventa, en unas obras en las que domina la geometría con formas casi orgánicas. Su trabajo se ha expuesto en la Galeria Carles Taché de Barcelona, Sala Pelaires de Palma de Mallorca, Galería Alfredo Viñas de Málaga y Kingsborough Community College de Nueva York, entre otros.
Sus obras pueden encontrarse en colecciones nacionales e internacionales, como el Museo Reina Sofía de Madrid, la Fundació ”la Caixa” de Barcelona, el Museo de Arte Contemporáneo Sofía Imber de Caracas, y el Nagoya Art Museum, en Nagoya, Japón.
Perejaume
Pintura i representació: Delta de l’Ebre // 1989
Técnica mixta en fotografía
155 x 155 cm
Pere Jaume
(Sant Pol de Mar, 1957).
Es un artista difícil de clasificar por la experimentación constante con casi todos los recursos expresivos –pintura, escultura, dibujo, texto, acción, fotografía, sonido y vídeo.
Se formó frecuentando la obra de Joan Brossa, Josep Vicenç Foix y Jacint Verdaguer, autores que influyeron en el desarrollo de su mirada artística, así como la cultura popular del Maresme y el mundo rural. Su obra oscila entre la teoría y la práctica, la escritura y la imagen, la influencia de la vanguardia histórica y el interés por la cultura catalana, que impregna su producción poética, ensayística y artística.
En 2005 recibió el Premi Nacional d’Arts Visuals de la Generalitat de Catalunya por la obra Els cims pensamenters y en 2006, el Premio Nacional de Artes Plásticas del Ministerio de Cultura por la «reformulación de la relación entre arte y territorio». Algunas de sus intervenciones y exposiciones más importantes son los medallones del Gran Teatro del Liceo (1999), las retrospectivas Deixar de fer una exposició, en MACBA, Barcelona (1999) y Ai Perejaume, si veies la munió d’obres que t’envolten, no en faries cap de nova!, en La Pedrera (2011) o el proyecto expositivo Maniobra de Perejaume, en Museu Nacional d’Art de Catalunya (2014). Entre sus libros destacan: L’obra i la por (2007), Pagèsiques (2011, Premio Ciutat de Barcelona 2012), Paraules locals (2015) y Treure una marededéu a ballar (2018).
Vive y trabaja en Sant Pol de Mar.
Jaume Plensa
Dream, desire, chaos… // 1999
Técnica mixta sobre papel
204 x 187 cm
Jaume Plensa
(Barcelona, 1955).
Estudió en la Escola de la Llotja y en la Escola Superior de Belles Arts de Sant Jordi de su ciudad natal.
Desde sus comienzos como escultor en los años 80, ha desarrollado una carrera de gran proyección y se ha convertido en uno de los máximos exponentes de la escena escultórica actual, siendo conocido internacionalmente por sus piezas e instalaciones en espacios públicos, en ciudades como Chicago, Londres, Montreal, Niza, Tokio, Toronto o Vancouver. Artista polifacético, Plensa ha experimentado también con el grabado, el dibujo, el sonido, el vídeo e incluso la escenografía, colaborando con la compañía catalana La Fura dels Baus.
Tras su primera exposición individual en 1980, en la Fundació Joan Miró de Barcelona, su obra se ha mostrado en museos de todo el mundo, entre ellos el Jeu de Paume de París (1997), Malmö Konsthall de Malmö, Suecia (1997), Museo Reina Sofía de Madrid (2000), Nasher Sculpture Center de Dallas (2010), Yorkshire Sculpture Park, Inglaterra (2011), Basílica San Giorgio Maggiore en la Bienal de Venecia (2015) y MACBA de Barcelona (2018-19). Ha recibido numerosos premios nacionales e internacionales: la Medaille des Chevaliers des Arts et Lettres del Ministerio de Cultura francés (1993; el Premi Nacional de Cultura d’Arts Plàstiques de la Generalitat de Cataluña (1997); el Premio Nacional de las Artes Plásticas (2012); y el Premio Velázquez de las Artes (2013).
Vive y trabaja en Barcelona.
Vicenç Viaplana
Hipnosis // 2000
Técnica acrílica sobre tela
226 x 180 cm
Vicenç Viaplana
(Granollers, 1955).
Forma parte de la generación deartistas conceptuales que renovó la vanguardia artística catalana en los años setenta.
A las instalaciones y performances de sus años iniciales, le siguieron trabajos sobre formatos fotográficos, vídeos y un extenso cuerpo de obra pictórica. Sus pinturas, realizadas con una personal técnica a base de pigmentos y colas, gravitan entre la abstracción y la figuración, y producen una impresión de misterio que atrapan la atención.
Viaplana debutó individualmente en 1975, en la Galería Ciento de Barcelona, y desde entonces ha celebrado exposiciones tanto en esta ciudad (galerías Carles Taché y Marc Domènech) como en Madrid, Ibiza, Nueva York, Kioto, Groningen o Basilea. Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas como, entre otros, el Museo de Granollers, la Fundació Vila Casas, la Fundació Soriguè y la Colección ”la Caixa”.
Vive y trabaja en Granollers, Barcelona.
Carlos García-Alix
La ronda de noche // 2002
Óleo sobre lienzo
125 x 165 cm
Carlos García-Alix
(León, 1957).
Es escritor, pintor y cineasta.
Desde finales de los años 80 ha celebrado numerosas exposiciones colectivas e individuales. Sus querencias por la literatura, el cine y la historia le han acompañado desde el principio de su actividad pictórica. Desde hace años viene desarrollando una tarea de recopilación documental centrándose en los años 30 en España, que se refleja tanto en su pintura y obra gráfica como en la literaria y cinematográfica, y que ha denominado “novela pintada”, un proyecto que ha puesto en escena en obras como el libro Madrid- Moscú (ganador del segundo premio al Libro de Arte Mejor Editado del Ministerio de Cultura en 2003), o el lienzo Regreso a casa (1999).
Destaca su novela y luego largometrajedocumental titulado El honor de las injurias (2007), obra premiada en la Semana Internacional de Cine de Valladolid en 2007. Ha colaborado en diferentes periódicos y revistas, como El Canto de la Tripulación, Refractor, El gato encerrado, El Europeo, LARS Cultura y Ciudad y Sur Express. Su obra se encuentra en colecciones como el Museo Patio Herreriano de Valladolid, Colección Testimoni “la Caixa” o Museo Municipal de Arte Contemporáneo de Madrid.
Vive y trabaja en Madrid.
Juan Sotomayor
Sin título // 2003
Acrílico sobre lienzo
200 x 200 cm
Juan Sotomayor
(Villanueva de Arzobispo, Jaén, 1959).
Se inició en la pintura luego de abandonar estudios en medicina.
Se formó en Zaragoza, ciudad en la que permaneció entre 1973 y 1988. Es miembro fundador del grupo Zotall, colectivo de pintores activo en Zaragoza en la década de 1980. Su obra, tras comenzar cercana al surrealismo literario, evolucionó a una pintura de carácter neoexpresionista, gestual y muy matérica. Hacia finales de los años 80, surgen unas bandas geométricas que se alternan con sinuosas líneas y manchas de cambiantes formas que constituyó la base del lenguaje pictórico de años posteriores, caracterizado por bandas horizontales y verticales.
En sus obras, Sotomayor realiza movimientos que expresan un recorrido horizontal propiciando una manera de percibir el plano parecido al ejercicio de leer. El pintor aplica la pintura organizando un sistema de franjas horizontales paralelas sobre las que actúa suavemente, superponiendo las diferentes capas.
Vive y trabaja entre Zaragoza y Madrid.
Frederic Amat
Lactants // 2004
Pintura sobre tela
210 x 273 cm
Frederic Amat
(Barcelona, 1952).
Es un pintor cuyo trabajo desafía una única forma de categorización.
Formado en arquitectura y también en escenografía con Fabià Puigserver, su concepción abierta de la pintura le ha llevado a integrar en su trabajo creativo múltiples lenguajes artísticos. Su obra pictórica, que comenzó en los años 60, pone en diálogo elementos objetuales con un trabajo matérico que a menudo remite a símbolos y a un contexto de misterio.
Además de su producción propiamente pictórica, desde mediados de los años 80 Amat ha realizado escenografías para danza y teatro a partir de textos de autores literarios como García Lorca, Samuel Beckett, Juan Goytisolo, Bernard-Marie Koltès y Octavio Paz, entre otros. También ha creado espacios escénicos para ópera y oratorios, ha ilustrado obras literarias como Las mil y una noches o La Odisea y ha dirigido proyectos cinematográficos como Viaje a la luna (1998) y Foc al càntir (2000). Sus intervenciones en espacios arquitectónicos, ya sean naturales o urbanos, combinan pintura, escultura y cerámica. Su obra ha sido ampliamente expuesta y publicada alrededor del mundo.
Vive y trabaja en Barcelona.
Joan Hernández Pijuan
Pintura de la sèrie negra 5 // 2005
Óleo sobre tela
200 x 150 cm
Joan Hernández Pijuan
(Barcelona, 1931-2005).
Se formó en la Escola de la Llotja y la Escola de Belles Arts de Barcelona.
En 1957 se trasladó a París, donde estudió grabado y litografía en la École de Beaux-Arts. Si bien en sus inicios su pintura se situó cerca de un expresionismo gestual, pronto adoptaría una figuración geométrica dominada por campos lisos de color, por la presencia de objetos solitarios como frutas, copas, huevos o tijeras y por la inclusión de elementos y referencias matemáticas como cuadrículas o cintas métricas.
A finales de los años 80 retomó el informalismo, desarrollando una pintura que acabó caracterizándose por el uso de una paleta mayoritariamente en blanco y negro. Desde su primera exposición individual en el Museu de Mataró en 1955, expuso en destacados espacios de arte de España y del ámbito internacional. Entre las retrospectivas dedicadas al artista, cabe destacar las del Centre Cultural Tecla Sala de L’Hospitalet de Llobregat (1992), Museo Reina Sofía de Madrid (1993), MACBA de Barcelona (2003) y Museo de Arte Moderno de Moscú (2011). En 2004 recibió el Premio Nacional de Arte Gráfico. Su obra se encuentra en colecciones como las del Palais des Beaux-Arts de Bruselas, Guggenheim Museum de Nueva York, National Gallery de Montreal, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Museo Reina Sofía de Madrid y MACBA de Barcelona.
José Manuel Ballester
Interior de Museo 1 // 2006
Acrílico sobre papel encolado y tabla
160 x 258 cm
José Manuel Ballester
(Madrid, 1960).
Pintor y fotógrafo, se licenció en 1984 en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid.
Su carrera artística comenzó en la pintura con especial interés por la técnica de las escuelas italiana y flamenca de los siglos XV y XVIII. A partir de 1990, empezó a conjugar pintura y fotografía y, posteriormente, se centró en la fotografía arquitectónica. Ha sido galardonado con el Premio Nacional de Grabado (1999), Premio Goya de Pintura Villa de Madrid (2006) y Premio de Fotografía de la Comunidad de Madrid (2008).
En 2010 le fue concedido el Premio Nacional de Fotografía “por su singular interpretación del espacio arquitectónico y la luz, y por su aportación destacada a la renovación de las técnicas fotográficas”. De entre sus exposiciones individuales destacan: Lugares de Paso, Valencia (2003); Setting Out, Nueva York (2003); Habitación 523, Museo Reina Sofía (2005); Fervor de Metrópolis, Pinacoteca del Estado de Sao Paulo (2010); Bosques de luz, Tabacalera Madrid (2013) y Fundación Bancaja, Valencia (2018). Su obra está presente en fondos del Museo Reina Sofía, Artium, Museo Patio Herreriano, IVAM, Fundación Telefónica, Museo Würth (Logroño), Pérez Art Museum y Cisneros Fontanals Art Foundation (Miami), entre otros.
Vive y trabaja en Madrid.
Darío Urzay
Pasaje (Dos Años) // 2007
Técnica mixta sobre madera
210 x 180 cm
Darío Urzay
(Bilbao, 1958).
Es uno de los pintores españoles contemporáneos más destacados dentro de la corriente abstracta gestual que alcanzó un gran auge en los años 80 y 90 del siglo XX en España.
Su trabajo destaca por una poética personal y reconocible. Orden y desorden conviven en la obra del artista, junto con una gran importancia del color, formando hibridaciones complejas que, a modo de contrapunto, se complementan perfectamente.
Urzay se licenció en Bellas Artes en la Universidad del País Vasco, centro en el que ejerció de profesor entre 1983 a 1987. En 1987 residió un año en Londres invitado por la Fundación Delfina Studios, y posteriormente se trasladó a Nueva York, ciudad en la que vivió nueve años, alternando su actividad con Bilbao. En 1983 obtuvo el premio Gure Artea de pintura y en 2005 fue reconocido con el Premio Nacional de Arte Gráfico y el Excellence Work Award en la Bienal de Beijing. Ha expuesto individualmente en Fundación ICO (Madrid), Galeria Estiarte y Distrito 4 (Madrid), Galeria Xippas (Paris), Galería Juan Silió (Santander), Galería Tomas March (Valencia), Galeria Senda (Barcelona) y Christian Dam Gallery (Oslo), entre otras. Su obra forma parte de colecciones como el Museo Guggenheim Bilbao, Museo Reina Sofía de Madrid o la Deutsche Bank Collection de Londres.
Actualmente vive y trabaja en Bilbao.
Ricardo Cavada
Sin título // 2008
Técnica mixta sobre tela
200 x 160 cm
Ricardo Cavada
(Pontejos, Cantabria, 1954).
Ha dotado a su obra de un lenguaje propio y reconocible que la ordena y organiza de manera clara y sistemática, dejando espacio para el juego lumínico creado por medio de la superposición.
A lo largo de su trayectoria, la pintura de Cavada ha sido definida en ocasiones como expresionista, gestual, sintetizadora, abstracta, esencial, silenciosa, geométrica, reflexiva, minimalista o reduccionista. Lo cierto es que integra todas esas características que, de una u otra forma, han ido encontrando un lugar propio en su pintura, junto a un personal uso del color y una factura escondida por medio de transparencias, que dotan a su obra de una frescura inmediata y espontánea. Tras residir en Madrid, en 1981 fijó su residencia en Cantabria. En 1982 presentó su primera exposición individual en la Sala Municipal de Castro Urdiales. Desde entonces, ha participado en exposiciones colectivas e individuales en espacios y galerías de Santander, Santillana del Mar, San Sebastián, Oporto, Barcelona o Valencia, entre otros. Su obra se encuentra presente en colecciones de ámbito nacional, como la Fundación “la Caixa”, Fundación Coca Cola, CAC Málaga, Fundación Unicaja y Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Santander y Cantabria (MAS).
Vive y trabaja en Pontejos, su pueblo natal.
Eduard Arbós
Cut 0707 // 2009
Planchas de foam cortadas
200 x 122 cm
Eduard Arbós
(Barcelona, 1959).
Ha centrado su trabajo en una reflexión sobre el espacio y su representación.
Con lo arquitectónico como telón de fondo y mediante conceptos esenciales relacionados como construir, delimitar o habitar, se estructuran unas propuestas que interrogan los límites que separa el espacio físico y vivencial del espacio mental, imaginario y abstracto. Se trata de un código constructivo y relacional que busca generar un diálogo contextual, una sintaxis constructiva, que permite analizar las formas de representar el espacio a través de los códigos del arte. Distintos lenguajes formalizan una obra que utiliza, indistintamente, la pintura, la escultura, las maquetas, las intervenciones espaciales, la fotografía o, incluso, las publicaciones. Su creación artística está íntimamente ligada a su faceta de diseñador gráfico, actividad que desarrolló trabajando en estudios de diseño y publicidad hasta el año 1990. Desde 1990 ha expuesto regularmente en España y Portugal. Su obra está presente en destacadas colecciones públicas y privadas, entre otras: Colección “la Caixa” de Arte Contemporáneo, Colección Caja Madrid, CAB Burgos, Col·lecció Chirivella Soriano (Valencia) y Otten Kunst Raum (Austria).
Vive y trabaja entre Barcelona y Lisboa.
Jordi Alcaraz
Exercicis de desaparició // 2010
Pintura sobre cartón y metacrilato
152 x 202 cm
Jordi Alcaraz
(Calella, Barcelona, 1963).
Comenzó su trayectoria artística en el ámbito de la escultura y el grabado y, más tarde, incorporó la pintura.
Con el tiempo desarrolló una obra singular e inconfundible, que se caracteriza por la fusión de diferentes técnicas y el uso de materiales diversos, como el agua, el vidrio, el espejo, el pigmento, el libro o la piedra. En su lenguaje pictórico prevalecen el blanco y el negro y la interrelación de transparencias y agujeros, que permiten entrever espacios ocultos y mágicos que trascienden la exclusividad óptica. Alcaraz ha expuesto ampliamente tanto en España como en el exterior, en países como Bélgica, Alemania, Italia, Canadá o Suiza.
Entre sus últimas exposiciones individuales destaca Esborradís, presentada en la Fundació Vila Casas-Can Framis de Barcelona, en 2017. Sus obras forman parte de colecciones públicas y privadas, como la de Ella Cisneros en Miami, Emanuela Barilla en Parma, Giorgio Frasca en París, MACBA en Barcelona, Museo Biedermann en Donaueschingen, Alemania, o Williams Collection en Nueva York.
Vive y trabaja en Calella, Barcelona.
Javier Arce
Imágenes Bastardas (Maurizio Cattelan) // 2010
Plexiglás grabado entintado al óleo
148 x 223 cm
Javier Arce
(Santander, 1973).
Es graduado en Técnicas de Estampación por la Escuela de Artes Aplicadas de Oviedo y licenciado en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco.
Obtuvo una maestría en escultura por la Wimbledon College of Arts, Londres. Desde 2007 ha recibido múltiples reconocimientos: Beca Fundación Marcelino Botín, Beca Hangar, Mención de Honor Premio ABC y Mención de Honor Generación 2007 de Caja Madrid. En 2008 obtuvo las becas del ‘International Studio & Curatorial Program’ (ISCP) de Nueva York y de la Fundación de Arte y Derecho. En 2018 fue galardonado con las Becas Leonardo de la Fundación BBVA a Investigadores y Creadores. Entre sus últimas exposiciones individuales destacan: Kill lies all, Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Santander (2014); Primera exposición prestada, CAB, Burgos (2010); This could be a show of historical importance, Moderna Galerija, Ljubliana (2010), así como sus intervenciones en el Espai 13. Fundación Joan Miró, Barcelona, y en Espai Quatre, Casal Solleric, Mallorca. Su trabajo está presente en numerosas colecciones nacionales, como la del CAB de Burgos, MUSAC de León, Fundación Caja Madrid, Fundación Marcelino Botín o Colección “la Caixa” de Arte Contemporáneo.
Vive y trabaja en Santander.
Ignasi Aballí
Clasificados. Azul cerúleo // 2012
Pintura acrílica e impresión digital sobre tela
200 x 190 cm
Ignasi Aballí
(Barcelona, 1958).
Es un artista próximo a las prácticas conceptuales que, desde inicios de los años 80, desarrolla su labor artística a través de formalizaciones, técnicas y materiales diversos.
Su obra propone una reflexión conceptual sobre la representación y la percepción de medios como la pintura, el objeto, la fotografía, la ficción, el cine o el vídeo. Su trabajo inventa y reorganiza textos, imágenes, materiales y procesos, confrontando la presencia y la ausencia, lo material y lo inmaterial, lo visible y lo invisible, la transparencia y la opacidad, la apropiación y la creación.
Aballí estudió Bellas Artes en la Universidad de Barcelona y se licenció en 1981. De destacada proyección internacional, su obra se ha expuesto en la Fundació Joan Miró (Barcelona), MACBA (Barcelona), Museo Reina Sofía (Madrid), Museo Serralves (Oporto), Ikon Gallery (Birmingham), Drawing Center (Nueva York) y ZKM (Karlsruhe, Alemania). Ha participado en la Bienal de Venecia de 2007 y ha expuesto en espacios y galerías de arte de Madrid, Barcelona, México, Bélgica, Brasil o China. En 2015 recibió el Premio Joan Miró por su “exitosa reflexión sobre los límites de la pintura y la representación, por su meticulosa atención a las consecuencias significativas que puede generar el cambio más pequeño en una estrategia de resignificación, así como por su papel de mentor con artistas más jóvenes”. Vive y trabaja en Barcelona. Textos de autores literarios como García Lorca, Samuel Beckett, Juan Goytisolo, Bernard-Marie Koltès y Octavio Paz, entre otros.
También ha creado espacios escénicos para ópera y oratorios, ha ilustrado obras literarias como Las mil y una noches o La Odisea y ha dirigido proyectos cinematográficos como Viaje a la luna (1998) y Foc al càntir (2000). Sus intervenciones en espacios arquitectónicos, ya sean naturales o urbanos, combinan pintura, escultura y cerámica. Su obra ha sido ampliamente expuesta y publicada alrededor del mundo.
Vive y trabaja en Barcelona.
Jaume Pitarch
Las Lanzas // 2012 – 2013
Puzzle/técnica mixta
157 x 214 cm
Jaume Pitarch
(Barcelona, 1963).
Es licenciado en Bellas Artes por el Chelsea College of Art, Londres, y obtuvo un Máster por el Royal College of Art de Londres.
Inicialmente interesado en la pintura, ha ido desplazando su área de trabajo hacia una investigación de los usos y abusos de la imagen en el mundo actual. Descendiente directo de la más pura tradición del arte conceptual catalán, Pitarch manipula objetos de manera brossiana y surrealista que inciden sobre nuestra existencia.
Trabaja habitualmente con elementos fabricados o ya habitados, que desmonta y reconstruye para crear obras de nuevos significados. Pitarch ha expuesto extensamente a nivel nacional e internacional. Entre sus exposiciones individuales destacan las presentadas en: Tecla Sala, L’Hospitalet (2017), àngels barcelona (2013, 2009, 2004,1997); Galería Fúcares, Madrid (2013, 2008); Spencer Brownstone Gallery, Nueva York (2013, 2009, 2006) o en Galerija Vartai, Lituania (2011). Sus obras forman parte de colecciones públicas y privadas como el MACBA, Colección “la Caixa” de Arte Contemporáneo, Artium, Colección Bergé, Museo Patio Herreriano o Royal College of Art de Londres.
Vive y trabaja en Barcelona.
Cristóbal Toral
Ensamblaje en azul // 2013 – 2014
Técnica mixta
210 x 210 cm
Cristóbal Toral
(Torre Alháquime, Cádiz, 1940).
Es considerado uno de los máximos representantes del realismo mágico español del siglo XX.
Conocido por su talento precoz y una capacidad inusual para el dibujo, Toral inició su formación en arte en 1958 en la Escuela de Artes y Oficios de Antequera, continuando en la Escuela de Bellas Artes de Sevilla y la de San Fernando de Madrid, donde en 1964 obtuvo el Premio Nacional Fin de Carrera. Entre 1968 y 1969 obtuvo la Beca Fundación Juan March para ampliar sus estudios en España y, más tarde, en Nueva York, ciudad en la que entró en contacto con el nuevo realismo de los pintores americanos. Su participación en la Bienal de Florencia en dos ocasiones (1973 y 1977), obteniendo medalla de oro, y en la Bienal de São Paulo (1975) con el Gran Premio, le dieron a conocer en el ámbito internacional.
Ha realizado importantes exposiciones individuales en ciudades como Madrid, Nueva York, Buenos Aires, México, París y Tokio, entre otras. En 2018 el Museo de la Ciudad de Antequera, ciudad a la estuvo vinculado buena parte de su vida, le dedicó una de sus mayores retrospectivas. Su obra figura en colecciones como la del Centre Pompidou (París), Museo de Arte Moderno (Bruselas), Museo Reina Sofía (Madrid) o Guggengheim Museum (Nueva York).
Vive y trabaja entre Madrid y Toledo.
Gorka García Herrera
En la penumbra (Elogio de la luz) // 2015
Óleo sobre madera
250 x 187 cm
Gorka García Herrera
(Jerez de la Frontera, Cádiz, 1982).
Se licenció en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco-Euskal Herriko Unibertsitatea en 2005. Cursó el tercer año de carrera en la Accademia di Belle Arti di Ravenna (Italia) gracias a la concesión de una beca Erasmus.
Tras su paso por la universidad, completó su formación artística en el estudio del pintor Alejandro Quincoces y recibió, entre otras, la beca del «Curso de Pintores Pintores Pensionados del Palacio Quintanar» (Segovia) y la Beca de Residencia de la «Fundación Antonio Gala para Jóvenes Creadores» (Córdoba) en 2007. Su obra ha formado parte de diversas exposiciones tanto a nivel individual como colectivo. Entre sus proyectos recientes, destaca la exposición colectiva Ciudades líquidas, en la Sala Parés de Barcelona (2018).
Vive y trabaja en Madrid.
Hugo Fontela
Florida // 2016
Técnica mixta sobre lienzo montado en bastidor
250 x 300 cm
Hugo Fontela
(Grado, Principado de Asturias, 1986).
Comenzó su formación pictórica en la Escuela de Artes y Oficios de Avilés y en la Escuela de Arte de Oviedo.
En 2005, a sus 18 años, se trasladó a Nueva York, donde amplió sus estudios en The Arts Students League e instaló su taller. Ha sido merecedor de los siguientes premios: XX Premio “BMW” de Pintura (2005); el premio al mejor artista de la Feria de Arte Gráfico Estampa (2007); y Premio Princesa de Girona de las Artes (2014) por su precoz pero intensa trayectoria artística. Entre sus proyectos expositivos más destacados figuran la exposición individual en el Museo de la Abadía de Montserrat en 2011 y, el mismo año, Niemeyer by Fontela en el Centro Niemeyer de Avilés, fruto de dos estancias en Río de Janeiro junto a Oscar Niemeyer. Desde 2014 es representado por la galería Marlborough. Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas en España, como la Biblioteca Nacional, Madrid; Colección Ayuntamiento de Zamora; Colección Cajastur-Liberbank, Asturias; Colección DKV, Barcelona; Colección Fundación Príncipe de Asturias, Oviedo; y Museo de Bellas Artes de Asturias, entre otras.
Vive y trabaja en Manhattan, alternando los estudios de Madrid y Nueva York.
Mateo Maté
Paisaje uniformado 24 // 2013-2017
(Joaquín Sorolla: Cueva de San Javea).
Impresión en tela sobre bastidor y marco
135 x 196 cm
Mateo Maté
(Madrid, 1964).
Es un representante destacado del arte de tradición conceptual en el contexto español.
Utiliza objetos cotidianos, a menudo ligados a su propia rutina doméstica. Interesado por el potencial simbólico de la metáfora cartográfica, crea espacios escultóricos y performativos que resultan familiares a la vez que generan un profundo desconcierto. Sus trabajos plantean repensar y reinventar la noción de habitar, ser capaces de desbordar la mirada y devolver la concreción a los espacios y objetos que nos rodean. Con frecuencia recurre a la ironía y busca la implicación crítica del espectador, junto con una cierta presencia del azar.
Maté ha expuesto extensamente en centros de arte nacionales e internacionales. Entre sus proyectos recientes destacan: El eterno retorno, Museo del Romanticismo, Cerralbo, Artes Decorativas, Lázaro Galdiano y Biblioteca Nacional, Madrid (2013-14); Delimitations, Herzliya Museum of Contemporany Art, Israel (2012); Universo personal, Museo Reina Sofía-Monasterio de Silos, Burgos (2012); Área restringida, Sala de Arte Público Siqueiros, Ciudad de México (2011); y The Real Royal Trip, MoMA PS1, Nueva York (2003). Su obra forma parte de numerosas colecciones públicas y privadas del ámbito nacional e internacional.
Vive y trabaja en Madrid.
Guillermo Oyágüez
N 3 STRANGERS THINGS T1-E3 // 2018
Luces navideñas 38’ 17” Versión
Óleo sobre lino
97 x 195 cm
Guillermo Oyagüez
(Málaga, 1970).
Estudió Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid, donde se licenció en 1992.
Desde el inicio de su carrera se decantó por la pintura figurativa, evolucionando con los años desde una paleta cromática poco intensa hasta otra mucho más colorista, por influencia de sus viajes a Norte y Centroamérica, en especial a la isla mexicana de Holbox. El manejo del color es tal vez uno de los mayores atributos de su trabajo. Ha expuesto internacionalmente en ciudades como Madrid, Barcelona, Miami, Londres o Singapur, y ha recibido premios como el Pintura al aire libre “Parque del Retiro”, Mejor artista menor de 25 años (1994); Premio Fundación Taylor, Grand Palais, París (2008); Salón de Otoño de Madrid; Premio «Excmo Ayuntamiento de Madrid» (2010).
Vive y trabaja en Madrid.
Secundino Hernández
Untitled // 2019
Técnica mixta sobre lino
179 x 176 cm
Secundino Hernández
(Madrid, 1975).
Se licenció en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid en 2000.
Comenzó a exponer en el 2002 y su trayectoria profesional se ha convertido en una de las más internacionales de los artistas españoles de su generación. Su práctica diversa y enérgica de la pintura resiste la caracterización fácil. Sus trabajos combinan hábilmente representación y abstracción, dibujo lineal y color, minimalismo y gestualidad.
A lo largo de su carrera, Hernández ha venido mezclando diversas referencias: una materialidad que recuerda la pintura de acción, la figuración abreviada de los dibujos animados y pasajes que evocan una larga tradición pictórica. Esta multiplicidad estilística surge del conocimiento detallado del artista de la historia del arte. Hernández ha expuesto en museos como CAC Málaga (2018); Taidehalli, Helsinki (2018); Royal Academy of Arts, Londres (2017); YUZ Museum, Shanghai (2015); Museo Nacional de Escultura, Valladolid (2014); Rubell Family Collection, Miami (2013); Museo Patio Herreriano, Valladolid (2013). Su obra se encuentra en colecciones como National Museum of Wales, Cardiff; Auckland Art Gallery, Nueva Zelanda; Museo Patio Herreriano, Valladolid; Helga de Alvear Foundation, Cáceres; The Rubell Family Collection, Miami y Kunstdepot Göschenen, Suiza.
Vive y trabaja entre Berlín y Madrid.
Eugenio Ampudia
Concierto para el Bioceno #4 // 2020
Fotografía
150 x 220 cm
Eugenio Ampudia
(Valladolid, 1958).
Su trabajo indaga, bajo una actitud crítica, sobre los procesos artísticos, el artista como gestor de ideas, el papel político de los creadores, el significado de la obra de arte, las estrategias que permiten ponerla en pie, sus mecanismos de producción, promoción y consumo, la eficacia de los espacios asignados al arte, así como sobre el análisis y experiencia de quien las contempla e interpreta.
Sus obras se han expuesto internacionalmente en lugares como ZKM, Karlsruhe, Alemania; Jordan National Gallery of Fine Arts, Ammán, Jordania; Museo Carrillo Gil, México; Boston Center for the Arts, Boston (MA), Estados Unidos; Ayala Museum, Manila, Filipinas; la Whitechapel de Londres; La Real Academia de España en Roma; en Bienales como la de Singapur, la Habana, la Bienal del Fin del Mundo. Y forma parte de colecciones como la de MNCARS, MUSAC, ARTIUM, IVAM, La Caixa, entre otras. En 2020, en plena pandemia provocada por la Covid-19, lleva a cabo el Concierto para el Bioceno en el Gran Teatre del Liceu, Barcelona con una repercusión mediàtica a nivel mundial.
Marina Vargas
Anima Mundi // 2021
Técnica mixta sobre lona plástica
200 x 200 cm
Marina Vargas
(Granada, 1980).
Es una artista multidisciplinar española. Su lenguaje artístico se centra en la iconografía clásica, lo sagrado, la mitología, creando unas réplicas realizadas en formatos monumentales bajo una mirada comprometida feminista, la cual impregna toda su obra.
Es licenciada en Bellas Artes (2003) y Máster en Producción e Investigación en Arte (2011) por la Universidad de Granada. La realización de sus proyectos va precedida de largos períodos de estudio, de investigación sobre los temas de la historia que aborda, de lecturas especializadas en que invierte muchas horas previas a la realización de cada una de sus obras neobarrocas, donde se producen diálogos constantes alrededor de las ideas de las idolatrías judeocristianas religiosas de Occidente, la sexualidad, la feminidad, la violencia, el amor y el deseo.
Una obra cargada de dramatismo, brutalidad y belleza combinada; obras en las que reina el simbolismo revisionista de las identidades contemporáneas, creando un nuevo modelo de belleza híbrido y monstruoso que ha olvidado por completo el silencio del canon clásico.
Kepa Garraza
Isabel II // 2022
Carbón comprimido sobre papel
180 X 150 cm
Kepa Garraza
(Berango, Biskaia, 1979).
Kepa Garraza nació en Berango. Biskaia, en 1979. Estudió Bellas Artes en la Universidad del País Vasco. En 2000 le concedieron una beca Erasmus que le permitió completar su formación académica en el Bradford Art College (Reino Unido). Gracias a otra beca, en 2002 estudió en la Universidad de Barcelona, donde en 2003 terminó la licenciatura de Bellas Arte.
Irrumpió en la escena nacional hacia el año 2004, y desde ese momento, viene consagrando su obra a una reflexión en torno al arte y, especialmente, en torno a la figura del artista.
Su trabajo se ha centrado fundamentalmente en la pintura realista, imágenes sustentadas en archivos fotográficos y otras referencias, como cuadros famosos de célebres pintores. La obra de Kepa Garraza reflexiona en torno a la naturaleza de las imágenes que consumimos a diario. Mediante escenarios ficticios desde los que se recrea una realidad paralela, invita al espectador a cuestionarse problemáticas relacionadas con la identidad y la manipulación de la información. Su obra cuestiona sus discursos oficiales y pone en cuestión los procesos de legitimación institucional. Su mirada irónica y ácida ofrece alternativas a la realidad que conocemos y nos propone un ejercicio saludable: siempre dudar de la versión oficial.
Sus influencias son muy variadas. Desde el punto de vista formal está clara la influencia de la pintura de historia decimonónica, con elaborados escenarios y la presencia de numerosos personajes en la escena. También artistas actuales como Cattelan, Vim Delvoye y Luc Tuymans o los clásicos del siglo XX Duchamp, Warhol y Bacon.
En tanto en la temática desarrolla de forma obsesiva, una reflexión en torno al arte, en su concepto más amplio. Muestra las debilidades que arrastra el sistema artístico desde los siglos anteriores, como el mercantilismo, la dependencia de las galerías, la concepción del artista como genio romántico, la creación de mitos y leyendas o la supervivencia en un futuro, etc.